#Lumière2022 – Notre journal critique

Un homme comme beaucoup d’autres de Michael Roemer

Notre avis (F) : ***

Une belle découverte que ce film maitrisé de bout en bout, qui nous interroge en même temps qu’il s’intéresse à la condition d’un homme en apparence tout ce qu’il y a de plus normal. La caméra suit un homme qui ne veut pas se laisser marcher sur les pieds et refuse les humiliations courantes, et les courbettes vis à vis de ses bourreaux. Aux yeux de ses amis, son refus de sa condition de nègre, son refus de se contenter du peu de progrès que la société américaine a pu faire, le mène à sa perte. Roemer parvient avec ce récit à toucher juste, sur le plan sociologique, bien entendu mais aussi et surtout sur le plan narratif et psychologique. Il s’intéresse à la déroute d’un homme qui nous a de prime abord été rendu sympathique par ses aspirations saines et louables, comme il s’intéresse au schéma reproduit de père en fils, de génération en génération. Ces différents niveaux de lectures méritent à eux seuls l’inscription de ce film dans la noble catégorie « Trésor et curiosité » du festival Lumière.

Notre avis (P) : ***

Un homme comme tant d’autres réalisé en 1964 par Michael Roemer est longtemps resté invisible bien que sorti dans les salles françaises en 1966. Ce premier long-métrage mal accueilli ne bénéficie pas de stars dans son casting et aborde un sujet délicat, celui de la ségrégation de la population noire aux Etats-Unis. Roemer a tourné ce film en Alabama, moins de dix ans après l’affaire Rosa Park (1955).

La scène ouvrant le film place les protagonistes Noirs dans le rôle de forçats des chemins de fer là où l’unique représentant Blanc se voit attribuer un métier bien moins physique, celui de conducteur de la machine juchée sur les rails fraichement mis en place. Le ton du film semble être donné par cette séquence : les Blancs dirigent les Noirs relégués au rang de simples subalternes et cantonnés dans les tâches les plus harassantes.

Mais, là où le spectateur pouvait s’attendre à un traitement frontal de la ségrégation des Noirs par les Blancs dans les Etats-Unis des années 60, Roemer préfère adapter son angle d’attaque en intégrant dans son récit des conflits internes et ici intimes à la communauté afro-américaine locale. Ces éléments constituent une part non négligeable du film mais aussi, probablement, un moyen de contourner la censure. Dès lors, Un homme comme tant d’autres se révèle moins radical que The intruder réalisé par Roger Corman en 1962.

Lumière de Jeanne Moreau

Notre avis: (SH): ****

Cette œuvre épatante de Jeanne Moreau, prouve avant tout son talent de cinéaste, méconnu aujourd’hui pour le spectateur français, mais pas moins important que son génie en tant que comédienne. Il s’agit de son premier film (elle en a réalisé trois), un récit plus ou moins autobiographique sur l’amitié entre quatre actrices, ainsi que sur le parcours professionnel et personnel de chacun. Jeanne Moreau interprète également le rôle principal, Sarah, une actrice épanouie et entourée d’homme de différents âges et profils, alors que ses amies sont en train de construire leur carrière, et vivent des échecs amoureux.

La mise-en-scène s’avère parfaitement maîtrisée, le scénario(basé sur l’enchainement des différents épisodes et non un drame central) intelligent et plein d’humour, surtout tissé d’une sensibilité féminine (voir féministe). Les acteurs et actrices (nombreux) semblent tous crédibles dans leurs rôles. Les personnages masculins sont filmés d’une façon qui met en valeur leur charme, tous définis par leur rapport avec Sarah (female gaze avant l’heure?).

Une belle découverte grâce au festival Lumière qui nous donne envie de découvrir les autres réalisations de Jeanne Moreau.    

L’innocent de Louis Garrel

Notre avis (P) : **(*)

L’innocent démarre sur des notes populaires. Le générique de début est en effet habillé musicalement par une chanson à succès de Herbert Léonard. Pour cette première réalisation, Louis Garrel réitérera ce procédé à plusieurs reprises. La bande-son de L’innocent est ainsi émaillée de tubes musicaux tous empruntés aux années 80. Pourtant, l’action du film est contemporaine et non située sous les années Mitterand. Ce choix surprend par plaira au plus grand nombre sans autre forme d’interrogation.

Ces tubes des années 80 présentent aussi l’avantage de venir dynamiser une mise en scène maîtrisée mais convenue parfaitement raccord donc avec les « normes » du cinéma actuel. Les spectateurs les plus avertis pourront, à juste titre, critiquer l’usage de split screens et de mouvements circulaires de la caméra rarement appropriés et donc peu signifiants. A cette mise en scène convenue alourdie de quelques afféteries inutiles se joignent des dialogues sans éclats, symptômes d’un scénario certes crédible mais insuffisamment travaillé dans les interactions entre les personnages dont on aurait aimé constater une plus grande profondeur.

L’innocent ne révèle malheureusement pas un nouveau cinéaste dont on aurait détecté une singularité de narration ou de mise en scène. Il ressort de ce premier long-métrage la prestation d’un acteur beaucoup plus présent devant la caméra que derrière. Rien ne ressort également des éventuelles qualités de direction d’acteurs de Louis Garrel puisque L’innocent comporte quelques passages un peu forcés en matière d’interpréation.

Mademoiselle Docteur de Edmond T. Gréville

Notre avis (P) : **(*)

L’œuvre cinématographique d’Edmond T. Gréville est insaisissable. Mademoiselle Docteur confirme ce constat. Nul doute que ce film réalisé en 1937 est un film de commande : casting non choisi et narration non portée par le réalisateur. Indéniablement, ce long-métrage répond aussi à un cahier des charges notamment au regard du jeu d’acteur très « appliqué » qui dissimule mal la mécanique mise en œuvre. Ainsi, l’interprétation monolithique du lieutenant Carr par John Loder est désastreuse. A ses côtés, le rôle-titre est incarné par Dita Parlo dont la panoplie d’actrice est reconnue limitée. Sa prestation ici est sans surprise. Seule les interprétations classiques de Erich von Stroheim et celle plus surprenante de Claire Luce dans un rôle secondaire donnent un peu de profondeur au film.

La narration déroulée est sans réelle baisse de régime ce qui permet de dynamiser une réalisation convenue de laquelle n’émergent que quelques trop rares idées cinématographiques. Quand Mademoiselle Docteur prend ses campements à Salonique, le film semble alors tisser un lien avec Pépé le Moko réalisé un an auparavant. Edmond T. Gréville paraît ainsi s’inspirer de Julien Duvivier mais sans parvenir à fournir le même dynamisme de mise en scène. Ce dynamisme tant attendu n’est relevé qu’en fin de métrage lors de la scène du bombardement au demeurant plutôt réussie.

The long night d’Anatole Litvak

Notre avis (P) : ***(*)

Pour sa première réalisation d’après-guerre, Anatole Litvak s’attaque dans une entreprise périlleuse : réaliser une version américaine d’un l’un des chefs-d’œuvre de Marcel Carné : Le jour se lève (1939). Le recit de The long night est strictement identique à l’original à l’exception d’un épilogue voulu positif par les producteurs. Ce choix d’une fin guère opportune vient écrouler l’édifice dramatique patiemment bâti jusqu’ici à cet épilogue à oublier.

La narration est maitrisée et bien restituée à l’écran. Dans le rôle principal, Henry Fonda succède à Jean Gabin et soutient la comparaison. Les autres comédiens demeurent cependant un ton en dessous de leurs homologues français qui étaient sous la direction de Marcel Carné dont les talents de directeur d’acteurs ne sont plus à démontrer.

Dans sa globalité, si The long night reste inférieur au Jour se lève, film-phare du cinéma français de l’entre-deux-guerres, ce film resté inédit en France pendant cinquante ans n’en demeure pas moins notable. Il permet notamment d’apprécier Henry Fonda dans ce qui constitue l’un de ses premiers rôles négatifs à l’écran.

Notre avis (F) : **

Remake du jour se lève, la fin positive du film vient gâcher un travail plutôt appliqué mais sans envergure ni grande originalité.

7h58 ce samedi-là de Sidney Lumet

Notre avis (P) : ****

7h58 ce samedi-là est l’ultime film réalisé par Sidney Lumet alors âgé de 83 ans. On aurait pu imaginer un film paisible pour clore une œuvre cinématographique remarquable. Il n’en est rien. 7h58 ce samedi-là est animé d’une dynamique surprenante. Certes ce film ne porte aucun message profond et n’appelle pas à de savantes réflexions mais on a connu des fins de filmographie bien plus ternes et désolantes que celle de Sidney Lumet.

L’intérêt du film réside principalement dans le schéma narratif très astucieux mis en œuvre. La scène de braquage et de son issue dramatique ouvre le long-métrage. Le fil narratif ne cessera ensuite de tracer des boucles temporelles. Les trois premières proposent autant de flashbacks et sont chacune dédiées à l’un des trois personnages principaux. Les deux premiers flashbacks creusent le passé alors que le troisième ne remonte le temps que d’une journée avant le braquage pour ensuite commencer à rendre compte de l’après braquage.

Ces trois premières boucles temporelles forment autant de chapitres annoncés à l’écran. Le récit de l’après braquage relève du même procédé sans être annoncé à l’écran. Il est donc laissé aux spectateurs le soin d’être attentifs aux itérations narratives proposées. Chaque itération progresse dans le temps tout en ménageant un feedback post-braquage plus ou moins étendu.

Notons enfin la belle direction d’acteurs dont Sidney Lumet était passé maître. Philip Seymour Hoffman et Ethan Hawke livrent de solides prestations. Alors que le cinéma contemporain souffre souvent de scénarios insuffisamment travaillés, ne boudons pas notre plaisir devant un film récent dont la qualité première est l’écriture scénaristique.

Notre avis (F) : *

Film qui semble complexifier narrativement son récit pour en masquer les manques. Les flashback répétés, les inserts de blocs narratifs morcelés ne produisent pas le vertige que l’on peut ressentir dans des films où cela se fait avec effet de surprise continue (Pulp Fiction par exemple). Presque tout nous est annoncé dés les premières images, ce que l’on découvrira par la suite ne présentant guère d’intérêt, ou étant cousu de fil blanc. Sidney Lumet en toute petite forme pour ce qui restera son dernier film.

Autour de minuit de Bertrand Tavernier

Notre avis (P) : **(*)

Passionné de jazz au même titre que Alain Corneau, Bertrand Tavernier a réalisé Autour de minuit en 1986. Il s’empare du personnage fictionnel de Dale Truner, saxophoniste de renom, pour tirer le portrait de celui qui l’interprète à l’écran : Dexter Gordon. Autour de minuit est le portrait d’un musicien réputé mais dont la carrière et la santé décline. L’homme comme le musicien est à reconstruire, à redresser pour qu’il puisse à nouveau composer et peut-être enregistrer un nouvel album.

Dexter Gordon est un excellent saxophoniste, parmi les meilleurs de sa génération, mais ses talents d’acteur restent limités. François Cluzet dans le second rôle principal porte tant bien que mal le film bien que sa prestation ne soit pas spécialement notable. Les quelques autres acteurs professionnels du casting ont un rôle beaucoup trop restreint pour prétendre à une appréciation éclairée de leur performance.

Il reste à Autour de minuit une bande originale exceptionnelle qui vient rehaussée et dynamiser une narration qui traîne en longueur et alourdie d’un fil narratif secondaire dispensable relatif à la vie professionnelle et familiale du personnage interprété par François Cluzet. Autour de minuit est réalisé comme une partition musicale mais sans les nécessaires variations de tempo.

Kisapmata de Mike de Leon

Notre avis (P) : ***

Kisapmata est inspiré d’un fait divers et s’appuie sur un scénario très documenté. Mike de Leon opte pour une narration limpide respectant sans faille l’ordre chronologique des évènements filmés. De la sorte, le propos porté par Kisapmata ne souffre d’aucune incertitude bien que les motivations sombres du personnage principal demeurent floue. Le mobile des actes perpétrés aurait mérité un traitement plus développé que celui proposé. Il reste ainsi en fin de métrage une certaine ambiguïté dérangeante. Ce constat est renforcé par le choix de Mike de Leon de ne porter aucun jugement sur ses personnages. Le réalisateur philippin reste simple observateur et restitue en l’état la violence radicale constatée.

Six semaines de bonheur de André de Toth

Notre avis (P) : ***(*)

André de Toth a réalisé Six semaines de bonheur en 1939 juste avant son exil de Hongrie, son pays natal. Ce film fait partie des cinq premiers opus de sa filmographie qu’il réalisa en l’espace d’à peine plus d’un an ! Une production rapide dont le défaut ici est une postsynchronisation perfectible.

André de Toth propose à travers Six semaines de bonheur une pure comédie. A l’écran, celle-ci se révèle à la fois concise (1h16) et alerte alors que le cinéaste prend le risque de faire porter à son personnage principal un métier illégal dans la Hongrie de la fin des années 30 à l’aube du second conflit mondial.

Ce long-métrage recèle aussi la mise en abime d’une pièce de théâtre qui pourrait constituer en soi un film dans le film. L’excellent traitement de cette mise en abime rivalise de subtilités et de finesses. Le geste cinématographique réalisé dans l’urgence (tournage d’une durée de moins de 2 semaines) n’en est que plus remarquable. Dès son début de carrière, André de Toth a fait montre d’une efficacité redoutable dans sa mise en scène et a prouvé son efficacité quel que soit le genre cinématographique abordé.

Dementia de John Parker

Notre avis (F): *

Une série B très edwoodienne estampillée trésor & curiosité car il s’agit du film unique de son réalisateur, un certain John Parker qui aurait influencé tout aussi bien John Waters que David Lynch. Mais l’incessante musique nous poursuit encore après le film, par ailleurs quasi muet. Pour cinéphage plus que pour cinéphile.

Notre avis (P) : **(*)

Dementia réalisé en 1955 est l’unique film réalisé par John Parker. Plus exactement, Dementia est un moyen-métrage (56’) qui présente les caractéristiques d’un court-métrage étiré dans sa durée. Cette série B réalisée avec peu de moyens est très singulière et difficilement classable entre film avant-gardiste et cinéma d’exploitation.

John Parker met en images un mauvais rêve de son personnage principal interprété par Adrienne Barrett qui n’était pas une comédienne professionnelle mais la secrétaire du réalisateur. Celui-ci jette définitivement le trouble dans l’esprit des spectateurs en fin de métrage en faisant surgir dans le monde réel un élément marquant du cauchemar relaté dans Dementia.

John Parker prend le partir de réaliser une œuvre radicale à grand renfort de prises de vues parfois inconfortables au regard de la permutation des angles d’attaque et l’usage récurrent de gros plans parfois zoomés à l’extrême. L’absence de dialogues et le bruitage du métrage limité à quelques séquences contribue à l’étrangeté de ce film. La présence marquée de vocalises vient hantée une bande son mélangeant de nombreuses sources de sons et contribue à instaurer l’ambiance anxiogène souhaitée.

Dementia est indéniablement un moyen-métrage marquant. Il constitue une proposition cinématographique assez incomparable peu avare en expérimentations tant audio que visuelles. Il est à noter qu’un montage alternatif de Dementia existe sous le titre Doctor of horror.

La Vie du docteur Semmelweis de André de Toth

Notre avis (P) : ***

L’ambition d’André de Toth dans La vie du docteur Semmelweiss est de tirer le portrait du docteur-titre en moins de quatre-vingt minutes. Une gageure et une film forcément très elliptique. Le scénario mis en images ne s’attarde que sur quelques instants de la vie de ce célèbre docteur qui œuvra durant toute sa carrière professionnelle contre la septicémie qui faisait des ravages parmi les femmes en couche. La fin du métrage est notoirement très abrupte.

A travers le personnage du docteur Semmelweiss incarné à l’écran par Tivadar Uray, André de Toth dépeint le portrait d’un homme tempétueux, colérique mais aussi extrêmement virulent et critique envers ses confrères. Dans sa réalisation, le cinéaste alors encore hongrois prend un soin particulier à mettre en évidence le scepticisme que de Dr Semmelweiss provoquait auprès de ses pairs qui portaient peu d’intérêt à ses observations et travaux. C’est là le grand intérêt porté par ce film à la réalisation classique.

La plaisanterie de Jaromil Jires

Notre avis (P) : ***(*)

La plaisanterie de Jaromil Jires est caractéristique des films de la Nouvelle Vague du cinéma tchécoslovaque à savoir en marge de tous les genres cinématographiques. Comme le présuppose son titre, ce film est à classer parmi les comédies. Mais l’utilisation faite de la comédie dans La plaisanterie relève d’un véritable travail d’auteur. Jaromil Jires ne cesse de jouer avec les codes cinématographiques tout en se jouant de ceux-ci.

Le réalisateur mélange deux temporalités avec simplicité sans jamais chercher à complexifier sa narration. Il y a l’espace-temps contemporain au film et celui qui fait revenir les protagonistes vingt ans auparavant. Le scénario prend pour base un fait divers de 1961 autour duquel l’intrigue se noue, celle d’une vengeance suite à une échec sentimental subit par le personnage principal.

Les scènes du passé, à l’exposition photographique plus prononcée, se mélangent aux scènes du présent. Mieux encore, le présent et le passé se font écho, voire se répondent. Jaromil Jires établit ainsi une communication entre les deux temporalités. Cette communication nait d’un travail conséquent de montage technique du film tant sur les photogrammes que sur la bande son. Ces deux vecteurs se voient ainsi souvent dissociés. Classiquement, la voix off du personnage principal commente la scène montrée à l’écran ou, au contraire, appartient à une scène de l’autre temporalité. Des retours arrière sont aussi constatés sur la part visuelle du film formant ainsi autant de plans de coupe en réponse à la séquence ainsi interrompue.

Au-delà de ces belles qualités de réalisation, La plaisanterie véhicule aussi un message politique et pacifique audacieux alors que le printemps de Pragues a cours. L’armée et la lutte communiste y sont ainsi présentés notamment sous forme allégorique et toutes en rondeurs.

Le prêteur sur gages de Sidney Lumet

Notre avis (P) : ****(*)

Le prêteur sur gages a vu sa sortie en salles retardée de deux ans, la censure prétextant une scène de nudité. La raison plus crédible de la censure de ce film est à chercher dans son contenu. Sidney Lumet s’empare du traumatisme psychologique vécu par son personnage principal prénommé Sol et survivant de l’holocauste. Bien qu’entouré, Sol, irascible, vit en solitaire. Sa boutique de prêts sur gages à New York, véritable capharnaüm, agit comme une prison non pas physique mais mentale pour Sol.

Cette boutique est le lieu de passage quotidien de New Yorkais désargentés à la recherche d’un prêt de quelques dollars. Le prêteur sur gages est ainsi aussi une radiographie d’une population américaine défavorisée, indifféremment blanche ou noire. En filigrane, Sidney Lumet dénonce une société où seul l’argent compte et où, face à la pauvreté ambiante, la violence peut surgir à tout instant. Le réalisateur fait aussi la chasse aux aprioris couramment véhiculés autour de la population de confession juive.

La diatribe proposée est extrêmement brillante et parfois difficile à regarder, voire glaçante (scène d’anthologie dans une rame du métro new yorkais). La psyché malade de Sol est restituée à l’écran par l’insertion sporadique d’images du passé traumatique de Sol. Et, toujours très efficace dans sa mise en scène, Sidney Lumet relève la fin de son film par des scènes très dynamiques tournées en direct dans quelques rues de New York. Le choix d’un traitement distancié de l’holocauste donne au Prêteur sur gage une atmosphère très spécifique qui colle au mental en sortie de projection.

Le voyage fantastique de Richard Fleischer

Notre avis (P) : ***

Le voyage fantastique réalisé par Richard Fleischer en 1966 a le charme de sa désuétude. Le scénario mis en œuvre s’appuie sur un élément de pure science-fiction dont la crédibilité ne fait pas long feu. L’intérêt du film ne réside pas dans son contenu de série B mais dans sa réalisation.

La réalisation de Richard Fleischer est remarquable en l’absence, à l’époque, des facilités aujourd’hui offerte par le numérique. On imagine la somme de travail qu’il a fallu fournir pour créer des décors restituant l’intérieur du corps humain et l’ingéniosité requise pour imaginer les trucages vidéo nécessaire au déploiement du récit. L’ensemble filmé en scope et en technicolor baigne ainsi dans une photographie somptueuse.

Black Moon de Louis Malle

Notre avis F: ****

Une véritable étrangeté dans la filmographie de Louis Malle qui s’essaye non pas à un film onirique mais à un film où l’image et la sensation visent à décontenancer le spectateur en première accroche, à lui proposer une expérience de cinéma riche (expérimentale et artistique) tout en évoquant en filigrane une thématique cachée et intime. La photographie très intéressante de tout son long, les moments poétiques visuels, à mi chemin entre Tarkovski et Alice au pays des merveilles, le décalage de la proposition sont des ravissements que la critique de l’époque n’était visiblement pas prête à recevoir. Quelle chance que ce film puisse ressortir et enfin pouvoir toucher un public exigeant ! Il ne fait que confirmer que Louis Malle était un réalisateur profondément intéressé par le Cinéma en tant qu’art complet et complexe, et que l’expérience visuelle l’intéressait tout autant que le récit, la frontière entre la fiction et le documentaire, ou le geste politique ou intime.

Network de Sidney Lumet

Notre avis (F) : ****

Si les premières minutes de Network sont bien trop estampillées cinéma américain des années 70 (Nouvel Holliwood) sans grande originalité (bien trop inscrit dans le mouvement) pour nous convaincre pleinement, le développement du film lorsqu’il abandonne le fait divers dont il s’est inspiré pour déployer une réflexion méta-philosophique (la pensée de Guy Debord plane autour du film, tout n’est que spectacle), une radicalité mais aussi des tirades parfaitement écrites et orchestrées, avec enthousiasme, verve, et conviction nous subjugue et émerveille. La qualité du regard, l’intelligence de Lumet et de son scénariste jaillisse en trompe l’oeil. A revoir Network, on se rappelle que récemment un grand film français, qui développait une pensée toute aussi pertinente et jetait un regard actuel et aiguisé sur notre monde (France) n’avait pas obtenu la palme d’or qu’il aurait mérité.

Jeux de nuit de Mai Zetterling

Notre avis (F): *

Il y a bien une intention Bergmanienne et plus encore une filiation avec le cinéma Viscontien, dans cette volonté de proposer un film sur la décadence, mais les quelques bonnes scènes du film (son final, quelques mouvements de caméras ou plans intéressants, jeux de miroirs et autres transitions entre souvenirs et présents) ne viennent pas l’extirper de la langueur dans lequel il place le spectateur en étirant à l’envie des scènes répétitives et aux dialogues manquant de poids ou de style.

Un cas particulier de Martin Holly

Notre avis (P): **(*)

Un viol suivi d’un meurtre ont été commis. Le suspect est rapidement identifié, jugé et condamné. Son avocat envisage de faire appel du jugement. C’est donc sur l’après condamnation que toute la narration de Un cas particulier est axé.

Les interactions se concentrent sur les juges, procureur et avocat qui ont débattu lors d’un premier procès non restitué à l’écran. Tous se connaissent et s’apprécient mutuellement. Martin Holly en balayant les possibles erreurs de chacun fait dialoguer ses personnages sur leur point de vue respectif, leurs divergences d’opinion, leurs désaccords. Sous une réalisation très classique, le cinéaste privilégie des dialogues au long cours issus d’une travail d’écriture conséquent. Un cas particulier relève ainsi du film littéraire durant lequel le temps semble étiré à l’extrême ce qui, sur la durée, fait perdre en force de critique du système judiciaire ambitionnée.

La petite de Louis Malle

Notre avis (P): ***

Premier film de la période américaine de Louis Malle, La petite reste à ce jour un film rare. Le cinéaste aborde dans ce film un sujet particulièrement délicat à traité. Tout écart de traitement d’un sujet qui s’y prête volontiers pourrait menacer le film de tomber dans le graveleux et le vulgaire. Le développement mis en œuvre est précis, souvent en limite du raisonnable, mais jamais les limites à ne pas dépasser ne sont violées.

Le film s’expose (à la critique) au même titre que ses actrices mais évite la surexposition. L’exposition constatée est cependant longue car les contre-points qualifiés essentiellement de « puritains » ne sont introduits que dans l’ultime partie de La petite avant un épilogue qui fera disparaître la sphère patiemment constituée. Le film échappe donc in extremis à l’œuvre-thèse sans contradiction.

Remorques de Jean Grémillon

Notre avis (P): ****

Remorques est un classique du cinéma français. Pourtant son auteur, Jean Grémillon, demeure encore aujourd’hui un cinéaste peu connu ou, plus exactement, marginalisé par la critique face à d’autres metteurs en scène comme Julien Duvivier, Jean Renoir ou Marcel Carné. Dans Remorques, il reprend de ce dernier le duo du Quai des brumes, à savoir Jean Gabin et Michèle Morgan. Ce duo se fait trio avec Madeleine Renaud. L’alchimie entre ces trois acteurs fonctionne à merveille entraînée par Jean Gabin dans le rôle principal. Un rôle complexe où l’acteur peut déployer toute sa panoplie de comédien allant de l’homme en colère à l’amant attendri et à l’époux déchiré et abattu.

De la même manière, le mélodrame tissé par le fil narratif du film passe par divers stades pour finir sur des gammes de pur lyrisme. Le savoir-faire de Jacques Prévert qui a collaboré à l’adaptation du scénario et à l’écriture les dialogues n’est certainement pas étranger à ce constat.

Non crédité au casting, Jean Carmet fait l’une de ses premières apparitions dialoguées sur grand écran dans ce grand classique du cinéma français d’entre-deux-guerres.

Condenados a vivir de Joaquín Romero Marchent

Notre avis (P): **

Condenados a vivir réalisé en 1972 par Joaquin Romero Marchent est un western de série B très voisin du Grand silence réalisé quatre ans plus tôt par le cinéaste italien Sergio Corbucci. Ce western espagnol existe en deux versions. Celle vue est destinée au marché domestique alors que l’autre, plus sanguinolente, est adressée au marché international. Quentin Tarantino se serait notamment inspiré de Condenados a vivir, très probablement dans sa version internationale, pour réaliser Les huit salopards.

Il est en effet ici question du transfert de prisonniers, cette fois-ci en grand nombre (7) et dument enchaînés. Une classique histoire de vengeance se trame sous un fil narratif dont on devine rapidement que des neufs personnages centraux tous ne parviendront pas à bon port. L’itinérance parcourue est montagneuse et neigeuse. Les éléments naturels mais pas uniquement sont contraires.

Le scénario coécrit par le metteur en scène ne bouscule rien de très établi. L’intérêt du film réside plus précisément dans le déroulé des évènements. Ces derniers sont multiples et imprédictibles. Difficile en effet de deviner quel(s) sera ou seront le(s) protagonistes appelé(s) à mener l’aventure jusqu’au bout.

Deux filles dans la rue de André De Toth

Notre avis (P): ***(*)

Deux filles dans la rue surprend à plus d’un titre. Il y a d’abord un sujet audacieux qui met deux jeunes femmes en protagonistes principales. Dans les sphères parcourues, l’immobilier et les arts, la gente masculine est volontiers prédatrice notamment par l’abus d’influence. Si les immeubles sont en construction, la vie des deux personnages féminins principaux reste à construire dans un environnement peu porteur et hostile.

L’autre surprise apportée par Deux filles dans la rue réside dans sa mise en scène. André de Toth procède par tableaux successifs pour visiter divers genres filmiques. Sans chercher à être exhaustif, citons notamment le cinéma muet, le théâtre filmé, le réalisme de séquences tournées dans les rues au milieu de la population locale, les scènes de cabaret et de music-hall. André de Toth alterne aussi les séquences filmées en extérieur avec celles composées dans des intérieurs reconstitués ou pas.

Pour parachever ce patchwork de scènes et de genres le cinéaste fait l’usage sporadique de transparences permettant la composition à l’écran de mosaïques d’images à la façon de René Clair notamment. Notons enfin que ce vaste enchevêtrement de séquences s’effectue sans transition. Cependant, les rares transitions entre deux scènes observées sont particulièrement astucieuses.

Time to Love de Metin Erksan

Notre avis (P): *

Time to love démarre sous les meilleurs auspices. La séquence d’ouverture propose un beau travelling composé sous la pluie. Ce plan bien pensé est très stylisé mais sera sans lendemain. Metin Erksan saura par la suite capter la beauté de l’environnement dans lequel il a placé sa caméra. Mais ces plans relèveront plus de poses photographiques sponsorisées par l’office de tourisme local (mer ou centres-villes historiques) que de moments cinématographiques.

Le salut du spectateur sera peut-être trouvé du côté de la narration. Las, Metin Erksan n’a pas grand-chose à raconter. Son scénario écrit (?) tourne vite en rond et vire à l’ubuesque dénué de toute crédibilité. Le récit ténu aboutit, sans surprise, sur un ultime retournement de situation, vain.

Mauvais sang de Leos Carax

Notre avis (P): ****

C’est en réalisant Mauvais sang en 1986 que Leos Carax se fit un nom sur la scène mondiale du 7^ème art. Ce long-métrage est aussi un des tout premiers films à aborder le sida mais de façon non nommée ou plus exactement sous l’acronyme STBO, le sida.

Dans Mauvais sang, œuvre d’un cinéphile pour les cinéphiles, Leos Carax rend hommage au cinéma de Jean-Luc Godard, au cinéma muet, notamment celui de Murnau, mais aussi à la bande dessinée par des séquences très graphiques. Chaque séquence de Mauvais sang est une proposition cinématographique à part entière. Les cadres composés rivalisent tous d’une étonnante précision. Même les décadrages paraissent soigneusement préparés. Rien n’est laissé au hasard, tout semble calculé et, plus étonnant encore, extrêmement maîtrisé pour un cinéaste alors âgé de seulement 26 ans. Mauvais sang fourmille ainsi de trouvailles visuelles, sonores et de mise en scène. La scène d’anthologie du film est sans nul doute celle portée par Denis Lavant sur la musique de David Bowie (Modern love).

Dans la nuit de Charles Vanel

Notre avis (P): **

Dans la nuit est l’unique film réalisé par Charles Vanel. Il est aussi considéré aujourd’hui comme étant le dernier film muet du cinéma muet. En effet, réalisé en 1929, sa première diffusion dans les salles françaises est datée du 16 mai 1930, date à laquelle le cinéma français mais également mondial a définitivement basculé côté parlant. Les films muets n’attirent alors plus ce qui peut expliquer le fait que ce long-métrage soit rapidement tombé dans l’oubli.

Le début du film montre l’environnement dans lequel va se dérouler l’action, à savoir une région minière. Puis vient un long préambule relatif aux festivités de la cérémonie de mariage des deux principaux personnages incarnés par Charles Vanel et Sandra Milovanoff. Ce n’est qu’ensuite que Dans la nuit prend un peu de relief quand survient le drame et la gestion des conséquences de celui-ci jusqu’à un épilogue à oublier car il sacrifie à la facilité scénaristique.

Charles Vanel anime son film d’une réalisation très classique. Les moments aventureux d’un point de vue technique demeurent rares : quelques mouvements de caméra simples en début de métrage avant que celle-ci ne soit embarquée sur une balançoire pour quelques instants. On note l’usage d’images floues pour symboliser un rêve et une scène d’explosion plutôt bien restituée. Il n’y a pas de gestion des transitions entre les plans à de trop rares exceptions près (eau coulant sur l’objectif de la caméra). Enfin, on remarquera l’usage intelligent d’un masque pour couvrir en partie le visage de l’acteur-réalisateur. Ces éléments disséminés sur toute la durée de Dans la nuit sont en trop faible nombre pour maintenir durablement l’intérêt du spectateur cinéphile.

Thérèse et Isabelle de Radley Metzger

Notre avis (F): **

Une belle entrée en matière pour ce film que Nicolas Winding Refn nous fait découvrir à juste titre, histoire de démontrer qu’un réalisateur essentiellement connu pour des films de sexploitation n’avait par ailleurs aucun complexe à avoir quant à ses qualités de cinéaste en tant que tel. Thérèse et Isabelle bénéficie en effet d’une mise en scène très intéressante, précise, qui se sert parfaitement du récit qui convoque des fantômes et souvenirs, – les transitions entre scènes de souvenirs et le temps présent, les allers et venues, donnent lieux à de nombreuses trouvailles cinématographique du plus bel effet. Etrangement, le film, au propos qui sent le souffre fait preuve d’une délicatesse, d’une patience et minutie, et d’une précision dans les cadres et mouvements de caméra, pour mieux ausculter la relation entre Thérèse et Isabelle. Nous regrettons ceci dit qu’une fois l’histoire instaurée, les belles intentions dévoilées, le récit tende à s’étirer et à trop se répéter, sans qu’une nouvelle composante vienne relever la passion traversée par les deux jeunes femmes.

Les noces barbares de Marion Hänsel

Notre avis (F) : ***

Ce film plutôt méconnu nous renvoie par son univers à des univers qui inspiraient Beineix ou Carax vers la fin des années 80, à mi chemin entre réalité sociale, poésie et regard magnifié sur des personnages à la marge, isolé, vivant dans une réalité sociale qui leur est propre et totalement déconnecté de la marche forcée du monde. En se positionnant précisément sur un territoire vierge, inexploré, Beineix parvenait sans le dire à montrer d’autres possibles, d’autres rêves, là où le jeune cinéma des années 90 cherchera bien davantage de revenir à la triste réalité des choses, à rendre compte non pas de l’enchantement qui reste possible malgré tout, mais du désenchantement d’une jeunesse en proie à la fin des utopies et au contexte social qui fera des victimes et dont quelques uns réussiront à s’extirper (sida, chômage). Les noces barbares, sombre quant à son récit principal, s’évertue par petits instants, à glisser de petits instants de bonheurs, lorsque la douceur s’invite de façon impromptue, parmi d’autres plus révélateurs de la barbarie sociale. Sans atteindre la force visuelle et poétique de Carax ou Beineix, Marion Hänsel parvient cependant à instaurer une atmosphère, bien servie par deux jeunes acteurs que nous découvrions alors, Thierry Frémont et Marianne Basler, l’un juvénile, attendrissant, et bien loin des rôles plus monstrueux qu’on lui confiera par la suite, l’autre, utilisée de manière iconique en transposition de Brigitte Bardot, pour mieux montrer la femme enfant, ou plus exactement, la femme adulte-mère qui fut privée de manière abrupte de son adolescence et de ses rêves de jeunes femmes.

Notre avis (P) : *(*)

L’adaptation au cinéma du Prix Goncourt 1985 remis à Yann Queffélec pour son roman éponyme ne convainc pas. Il paraît en effet bien difficile de s’approprier le récit quand celui-ci se déroule sur une vingtaine d’années qui n’ont aucune prise sur l’apparence physique des personnages. Dans la dernière partie du film, la fille-mère (Marianne Basler, 23 ans) appartient bien à la même génération que son fils (!) à l’écran (Thierry Frémont, 25 ans).

Dès lors, il apparaît de nouveau impossible de s’identifier aux personnages qui semblent évoluer dans une temporalité qui paraîtra étrangère à défaut d’être étrange. L’espace-temps balayé est figé, sclérosé. Là où il devrait être un élément moteur de la mécanique mise en œuvre, l’espace-temps grippe les rouages du mécanisme. La reconstitution des années survolée est poussive et la gestuelle et le langage employé notamment par le personnage interprété par Marianne Basler ne colle pas à la période visitée. Cela pourra paraître cruel mais Les noces barbares est une vraie déception et le temps ne changera rien à l’affaire.

Lost Highway de David Lynch

Notre avis (F): *****

Pour nous, tout simplement le meilleur film de Lynch, son parfait chef d’oeuvre. La première demie heure du film est tout simplement parfaite et si caractéristique de ce que Lynch sait faire, que ce soit sur le plan de l’image, du son, et plus encore de l’atmosphère et de l’intrigue. Le film développe ensuite son fantasme, ou ses cauchemars, de façon troublante et sexualisée, dans une seconde partie moins parfaite mais toujours très consistante et laissant ouverte et accessibles les interprétations narratives (au contraire d’un Inland empire qui s’évertue non seulement à brouiller le message mais aussi et surtout à le réduire au néant en le ramifiant à outrance). Le final, renvoie à l’ouverture de Lost Highway, de façon tout aussi magistrale que cette première. Le film présente les effets troublants de Twin Peaks ou de Mulholland Drive, dispose d’une trame narrative inventive, complexe et confondante, mais au contraire de ces derniers, il ne cherche pas à positionner des pistes explicatives dans un au delà qui régirait les âmes, les identités et les connecterait les unes aux autres. Lynch ne glisse ici pas non plus d’objets symboliques qui autorisent des transpositions spatio-temporelle, ni ne convoquent de Dieux ou forces surnaturelles. Parfaitement mystérieux et taiseux sur les causes, Lynch nous captive et interroge totalement l’identité et l’âme. Le plus grand trouble de Lost highway étant probablement celui porté par cette interrogation, peut-on vivre plusieurs vies concomitantes, être plusieurs personnes à la fois, avoir des destins liés ? La folie peut-elle donner accès à un monde qui nous est normalement refusé de voir ? Lost Highway trouble, interroge, captive et jamais ne déçoit par ses pistes explicatives (puisqu’inexistantes) ou sa surenchère. Nous nous amusons à noter (nous pouvons ou l’admirer ou lui reprocher) les obsessions si lynchiennes, autour des messages téléphoniques qui accèdent et parlent au subconscient, au même titre que les ébats amoureux qui font entrer les personnages dans une forme de trans (chamaniques), ici introduite dans les premières images de jazz endiablé où le personnage joué par Bill Pullman nous semble totalement habité par les airs de saxophones envoutants qu’il donne à entendre à une foule nombreuse.

Equus de Sydney Lumet

Notre avis (F): ****

Bien plus confidentiel et méconnu que Network ou Serpico Equus de Lumet n’en est pas moins un film tout aussi puissant, parfaitement troublant. Outre son texte magnifique, la patte Lumet se distingue en premier lieu par la mise en scène à la fois appliquée et artistiquement valable, qui nous transpose une pièce de théâtre en un film visuel, où l’image prolonge l’effet du propos mystique, intelligent, à la frontière entre le rationnel et ce qui lui échappe. Equus bénéficie également de la très convaincante interprétation de ses deux acteurs principaux Richard Burton et Peter Firth, tous deux particulièrement habités, chargés d’une énergie que Lumet met au centre de beaucoup de ses films et de sa direction d’acteurs. Puissant et beau comme ce Dieu équestre qu’Equus évoque avec force.

Notre avis (P): ***(*)

Signé Sidney Lumet, Equus surprend. Le cinéaste new-yorkais passé maître dans la réalisation collant à la réalité de son Amérique contemporaine livre ici un film très psychologique. Le film explore l’espace mental de ses protagonistes, leur folie et déborde même sur les pentes du mysticisme.

Ce film est l’adaptation sur grand écran de la pièce de théâtre éponyme inspirée d’un fait divers et écrite par Pater Shaffer crédité ici au scénario du film. La maîtrise technique de la mise en scène est, comme à l’accoutumé, parfaite chez Lumet. L’aridité du récit se reflète dans cette mise en scène dans laquelle le cinéaste fait des choix audacieux, tels ces séquences en regard-caméra sur le personnage interprété par Richard Burton. Ces scènes d’auto-analyse, voire de confession, participent à l’instauration d’une atmosphère anxiogène réhaussée par l’usage de gros plans dont certains sont zoomés à l’extrême.

Les 3 Âges de Buster Keaton

Notre avis (F): ****(*)

Le génie du burlesque Buster Keaton se découvre et redécouvre de film en film avec toujours autant de plaisir. Quelle rare impression que celle de voir qu’un film de 100 ans, fait avec les moyens de l’époque et en petit nombre, nous propose un spectacle plus drôle, plus inventif, et pour autant en en proposant toute la grammaire que ce produit l’industrie du cinéma aujourd’hui … Drôle, rythmé, malin, et avec des scènes dont on se demande encore comment il a pu avoir la précision pour les monter, les jouer (les cascades) et les coordonner; nous rejoignons Serge Blomberg dans son appréciation [d]es 3 âges, il s’agit peut être du meilleur Keaton. Bluffant et plus que jamais magicien, roi de l’illusion.

5 heures 40 de André de Toth

Notre avis (P): ***(*)

5 heures 40 fait partie des premiers films réalisés par André de Toth avant son exil aux Etats-Unis. Ne dérogeant pas à ses principes de visite d’un genre cinématographique spécifique dans chacune de ses réalisations durant sa période hongroise, le cinéaste s’empare ici des codes du polar.

Préfigurant peut-être son départ outre-Atlantique, 5 heures 40 bénéficie d’une mise en scène très classique à l’américaine. Au-delà du fait qu’elle soit déjà très maîtrisée, elle n’est pas sans nous faire penser à celle de Frank Capra. Parmi les autres qualités détectables dans ce long-métrage figure un récit bien ficelé porté par des dialogues dont l’écriture est soignée.

Wendemi, l’enfant du bon dieu de S.Pierre Yameogo

Notre avis (P): ***

Wendemi, l’enfant du bon dieu a été tourné en caméra légère en 16 mm puis gonflé en 35 mm. Sa restauration numérique récente permet de mettre en avant la très belle qualité de la photographie. Les couleurs, vives et lumineuses, témoignent de la qualité des cadres et des prises de vues prodiguée par S. Pierre Yameogo. Soulignons aussi un soin particulier apporté à la gestion de la profondeur de champ.

Le schéma narratif développé dans ce film burkinabé est classique. Il reprend par ordre strictement chronologique la quête d’un jeune homme abandonné à la naissance pour retrouver sa mère. Sous prétexte de cette recherche d’une mère, le fil narratif aborde plusieurs injustices sociétales qui gangrènent une société encore très patriarcale. Il y a bien sûr les abandons à la naissance mais aussi les trafics illégaux et la prostitution.

Lúcio Flávio, l’ennemi public n°1 de Hector Babenco

Notre avis (P): ***(*)

En 1977, en réalisant Lúcio Flávio, l’ennemi public n°1, Hector Babenco défie le pouvoir brésilien de l’époque en dénonçant les agissements de la police de la dictature militaire en place. Entre séances de tortures et assassinats prémédités d’opposants ou de supposés opposants, ces pratiques relèvent de milices.

Cette dénonciation est faite par une revue biographique au long cours du personnage-titre, célèbre braqueur de banques brésilien ayant réellement existé. La réalisation prodiguée par Hector Babenco est d’excellente qualité sans s’aventurer trop de complexité. Le film jouit aussi de la qualité homogène du casting qui l’anime.

En fait, le seul défaut qu’on pourrait reprocher aux choix effectués par Hector Babenco serait celui d’avoir faire abstraction de toute contextualisation. En effet, la narration démarre tambour battant et ne comporte aucun élément permettant de dévoiler les réelles intentions et motivations de Lucio Flavio.

Le Gang Anderson de Sidney Lumet

Notre avis (P): ****

Le gang Anderson réalisé en 1971 est un film-charnière dans la filmographie de Sidney Lumet car c’est celui qui fait basculer le cinéaste dans les thématiques du Nouvel Hollywood. Ici, il s’agit de confronter essentiellement le personnage principal du film à sa paranoïa.

Ce film de casse est très bien réalisé autour d’un excellent groupe de comédiens dans lequel on note la présence d’un jeune débutant : Christopher Walken. Le scénario recèle quelques choix surprenants et originaux. La gestion des ruptures de ton est également précise et efficace à travers quelques séquences qui viennent sporadiquement désamorcer la frénésie d’actions sur laquelle repose entièrement le film.